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Posts Tagged ‘Soledad Gutierrez’

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Interview by Azeb Martel-Wilson (ALDD Marketing  Intern)

What does it mean to be an artist? Anabella Lenzu’s latest show,  La noche que dejaste de actuar/The night that you stopped acting, which began as a reexamination of her repertory, is now a one woman show which both questions and affirms the reality of being a creator, an artist, and a spectator. I had the pleasure of conversing with Anabella Lenzu about the challenges and triumphs of creating artistic content within a very unique framework. Inspired by exchanges with her close friends around the world and at home, La noche que dejaste de actuar/The night that you stopped acting is where exploration meets experiment, and has implications for the field of dance at large.

AMW: What is La noche que dejaste de actuar/The night that you stopped acting about, and how did it come to be?

AL:  Initially, I identified five key pieces of my repertory to revisit: The Grass is Always Greener (2010), The Corral (2009), In Pursuit of Happiness (2015), Pachamama: Mother World (2013), and Sangre y Arena (Blood and Sand) (2012). As we moved forward, we began to investigating the very nature of the creative process, asking: “If a work of dance is created in the here and now, what happens when the here and now changes? How do the changes of our circumstances, our lives, and our bodies, alter our approach as dancers and choreographers?” These are the questions from which the show was born.  I have drawn inspiration from my repertory by referencing texts, props and projections used in my former works, but La noche que dejaste de actuar/The night that you stopped acting is otherwise completely new. It swings from political to ritual, touching the wide range of topics I have explored in the past.   I hope to answer the questions above, as well as inform the works’ originality.

AMW: I understand that you have collaborated with several artists for this new work.  Can you explain your process so far?

AL: In October 2018, I reached out to friends of mine from around the world. They are dancers who have known me very well, each one at different times in my life.  I had multiple Skype conversations with an Italian artist Salvatore Cataldo, who is currently living in Cairo, Egypt, Satomi Suzuki from Japan who danced for me many years ago, and Soledad Gutierrez in Buenos Aires, Argentina,  who was my very first assistant. None of them had ever seen the pieces that I wanted to revisit. Once the show evolved to become about the creative process rather than the repertory itself, I began setting the new material here in New York City with the help of  Maria Victoria Ric Biraben, an actress, and dancers Daniele Di Felice, an ALDD apprentice, Martina Cariello, Guiliana Bertoya and Angela Caputo, in November 2018. I will be the only one performing in the finished piece for the stage, but working through Skype and in the studio with them really helped shape the show and demanded more exploration of the creative process.

AMW: What is it like to generate material for your show over Skype?

AL: We were frustrated that we could not communicate certain things over Skype. For example, when improvising, we could only see about 50% of what the other is doing. We sometimes could not see all of the details, or each other’s faces, and I definitely could not feel their body in space. I couldn’t feel their vibrations and they couldn’t feel mine. Luckily, these are people that I trust and who know me very well. We’ve collaborated before, so we already know what that person’s energy is like in person, but sometimes we felt this empty gap between what we saw on screen and what our imaginations lead us to believe was there.  Often we would have interruptions, large time differences, connectivity problems…The topic of the show is the creative process, and unexpectedly, these difficulties we were having with technology actually enriched it. We began to ask certain questions because that’s where the technology would take us.

AMW: How has the work that you have been doing with your friends abroad and your dancers in New York translated to your piece as a one-woman show?

AL:  All of the work that I did with them pushed me to explore the anatomy of a performance. When I perform this show I will be examining the relationship between myself as the artist and the audience, as well as the relationship between myself and the self I am presenting on stage. For example, there is a scene where I ask myself while on stage “Can I take my mask off? How far can I go? How far can I get?” In another scene, I question the audience. I ask them, “What do you think is true? What do you think is false?” I ask them about the things we may have in common, whether or not they have trust in me, and if there is a line that I as the performer cannot cross.

AMW: You are going to hold an open rehearsal for La noche que dejaste de actuar/The night that you stopped acting in June. What are the details surrounding this event?

AL:  There will be an open rehearsal for donors and friends on Friday June 28th at Lehman College in the Bronx as part of the CUNY dance initiative from 12:30 – 1:30 pm.

AMW: Finally, how would you define your own creative process?

AL: I’ve been choreographing since I was 16, and now I’m 44. Each piece takes me more or less 2 years to create. What I try to do is have each creative process be a different one, or else I get bored. What ignites the idea for a show can always change, it can be a painting, a piece of music, or in this case it was my long distance friendships. The creative process for me is the reason why I do what I do, so I don’t want to have a formula. What’s important for me is to be open and to create, and really live in the moment. This show is about the craft itself, about the mask falling, which is why it’s called La noche que dejaste de actuar/The night that you stopped acting. I don’t worry about forcing results or having a product in mind when I create…I completely trust that the result is going to be there because the process is so rich.

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Veinte años ya pasaron desde que L’Atelier Centro Creativo de Danza abrió sus puertas.

L’Atelier nació de la necesidad de crear en Bahía Blanca, un lugar donde conjugar la danza y la creatividad. El objetivo es brindar un espacio para enseñar la danza como disciplina y expresión de arte, apuntando al desarrollo perceptivo, físico, estético y creador de la persona; donde se integra la cabeza con el corazón y donde el cuerpo (envase del alma) sea el medio expresivo del ser.

Fundar L’Atelier es un orgullo para mí. Es mi granito de arena en la comunidad bahiense y en Argentina.

Me otorgó muchos años de alegría y regocijo, ya que me formé en L’ Atelier de la mano de mis alumnos. ¡Tenia 18 años y muchas ganas de bailarme la vida!

De 1994 al 2000 dirigí la institución, hasta que en 1999 decidí perfeccionar mis estudios en coreografía y viajar a Nueva York. Mi viaje no tuvo retorno. Mi sed de conocimiento me alejó de este nido.

Mirar hacia atrás y recordar tantos intensos momentos y amigos hace que mi corazón se llene de nostalgia y alegría. 

Las eternas clases con mi siempre fiel colaboradora Soledad Gutiérrez (siempre sabíamos cuando comenzábamos a ensayar, pero nunca a qué hora terminábamos), los divertidos ensayos con mi hermana Pamela Lenzu, Noelia Massarella y Anibal Vitale, nuestros dos viajes a Chile como embajadores artísticos, la creación en 2003 de L’Atelier Ballet Contemporáneo junto a Pamela y a Araceli Pérez, las creativas colaboraciones con Nando y los Chicos, Maryta Berenguer, Juancho, el grupo Vocal Acento, Carmelo Fioriti, Patricia Galassi y Luis Cicive, entre otros.

Crear lugares de encuentro, de contención, de inspiración no es nada fácil, pero necesario. Y más en un país como Argentina, donde todo fluctúa constantemente.

   No es fácil, pero necesario crear un ambiente:

   – Donde todos se sientan incluidos, escuchados y respetados.

   – Donde la institución progrese día a día, escuchando las necesidades de la gente.

   – Donde se crezca día a día humana y profesionalmente.

   – Donde se reflejen y atiendan las necesidades de maestros y alumnos.

   – Donde se desarrolle y estimule un público para la danza.

   – Donde se ayude solidariamente a la comunidad, e instituciones de bien público, organizando espectáculos a beneficio de instituciones públicas, hospitales, escuelas y comedores escolares.

   – Donde se ofrezca asesoramiento y orientación para otras escuelas de danza regionales, provinciales y nacionales.

   – Donde se brinden cursos de perfeccionamiento a bajo costo y abiertos a todo público.

   – Donde se cultive la autodisciplina, el trabajo, la dedicación y el respeto a uno mismo y al prójimo.

   – Donde se propicie la alegría de crecer, se estimule la autoconfianza y el autoestima.

   – Donde se enseñe la sensibilidad por el arte.

Además de enseñar danza en L’Atelier, y como nuestra filosofía de trabajo fue formativa, organicé charlas con médicos nutricionistas y kinesiólogos, quienes generosamente donaron su trabajo para educar sobre la prevención de enfermedades y lesiones.

Cuando abrí L’ Atelier en 1994, de un año para el otro pasé de tener 5 estudiantes a 60 y para el tercer año, 120. ¡Fue una explosión! Al principio yo era mi única empleada: dictaba cinco clases diarias, me encargaba de la oficina, prensa, marketing, administración y hasta la limpieza.

También inicié una pequeña compañía de danza infanto juvenil, que participaba en espectáculos musicales infantiles y bailaba regularmente para programas televisivos. Era muy joven y con mucho entusiasmo.

En 1997 y 1998 fuimos invitados a bailar y dictar seminarios para toda la comunidad en Chile. El municipio de Ovalle produjo dichas giras. Impactamos fuertemente a nuestra audiencia, que al finalizar nuestros espectáculos esperaban a nuestras bailarinas con rosas rojas y cartitas de amor.

En mi ciudad, Bahía Blanca, nuestro impacto fue también extraordinario, ya que además de impartir clases de danza, también ofrecíamos materias complementarias como Francés, Historia de la Danza y Ballet, Maquillaje, Metodología de la Enseñanza y Repertorio. Los alumnos obtenian, luego de varios años de educación, un certificado como profesor de Danza Clásicas. Estabamos inscriptos como escuela privada. La formación que ofreciamos era completa. Hoy por hoy solo ofrecemos certificados como bailarín/ intérprete.

 Entre los importantes profesores que conto L’Atelier, cabe destacar el aporte de Angel Fumagali, crítico, historiador, profesor y archivista del Teatro Colón.

Fue un honor haber creado L’Atelier y qué orgullo que mi hermana Pamela lo hiciera suyo

y abrazara mi sueño de seguir cuidando y engrandeciéndolo!

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